_ CA/QB US/FR
Myriam Bleau y Pierce Warnecke regresan al LEV para presentar un proyecto conjunto que muestra las costuras de nuestro modo de habitar en la era de la conectividad. The End Product es una performance audiovisual que nos enfrenta a nuestras experiencias cotidianas en línea y la compleja relación que mantenemos con las redes sociales. Múltiples pantallas exploran distintas formas de extractivismo de datos, desde la información personal y la apariencia física, a la ubicación, las interacciones sociales e incluso la información financiera.
Rindiendo homenaje al corto de 1973 “Television Delivers People”, de Richard Serra y Carlota Fay Schoolman, The End Product explora las múltiples facetas del extractivismo de datos y la estrategia de las redes sociales en el proceso. Quizá todo aquello que compartimos sea más valioso que los servicios a los que se lo entregamos de manera gratuita y a menudo sin ser plenamente conscientes.
Myriam Bleau es una compositora, artista digital e intérprete afincada en Montreal. Utilizando la música y el sonido como punto de partida, su electrónica híbrida recontextualiza elementos de la cultura pop y tropos de la historia de la música en performances de música electrónica gestual, interfaces audiovisuales, piezas de video e instalaciones que articulan sonido, luz, movimiento e imágenes. Su trabajo ha sido reconocido y mostrado internacionalmente en festivales como Prix Ars Electronica (AT), Japan Media Arts Prize (JP), Sónar (ES, HK), MUTEK (MX, CA, AR, JP), ISEA (CA, KR ), LABoral + L.E.V. (ES), Transmedia (DE), Scopitone (FR) y Cafe Oto (UK), entre otros.
Pierce Warnecke es un artista multidisciplinar estadounidense que trabaja en la intersección de la música experimental, el arte digital y el videoarte. Su práctica se ha materializado en performances, conciertos e instalaciones en festivales internacionales como Rewire, Mutek, GRM, ZKM, ManiFeste (IRCAM), CTM, Elektra, KW Institut, La Biennale Nemo, Sonic Acts, Martin Gropius Bua, MAC Montreal, Gray Area SF, Scopitone, LEV Festival, Semibreve, SXSW, FILE, etc. A sus proyectos en solitario se suman sus colaboraciones con artistas tan relevantes como Ketih Fullerton Whitman, Frank Bretschneider o Matthew Biderman, entre otros.
Apoyo de Canada Council of Arts, Auvergne-Rhône-Alpes Region, L’Espace Gantner (Territoire de Belfort), iMal, Interstice, Sporobole and Recto-Verso.
Agradecemos el apoyo de / We acknowledge the support of:
Canada Council for the Arts
Auvergne-Rhône-Alpes Region through the SCAN grant
L’Espace Gantner (Territoire de Belfort)
Residency support from iMal, Interstice, Sporobole and Recto-Verso.
_TW
El explorador, el errante, el guía. Hubo un tiempo en el que múltiples espíritus errantes habitaban un solo cuerpo. El subconsciente abrió fisuras en el alma y los sueños actuaron como uno de sus nodos de almacenamiento…
El concepto vertebrador de esta propuesta, Di-shan (遞嬗), hace referencia al proceso secuencial de transformación gradual, alternancia, evolución y reemplazo de las cosas, poniendo el acento en la continuidad y herencia a lo largo del tiempo. Este proyecto reúne sonido, imagen y estructuras interactivas para explorar los estados de transición y mutación dentro de la percepción contemporánea.
La productora y artista de música experimental taiwanesa Meuko! Meuko! regresa al L.E.V con su primera colaboración transdisciplinar junto a Hsiangfu Chen, artista de instalaciones interactivas afincado en Berlín. El proyecto se estrenará en el 20 aniversario del L.E.V. Festival como un espectáculo audiovisual en el que sonido, imagen e interacción se entrelazan en un mismo espacio.
Teatro de la Laboral
Viernes 1 de mayo
Sound + Visual by: PENG, SHI-YUN (Meuko! Meuko!)
Installation by: CHEN, HSIANG-FU
_UK + CZ
Mike Paradinas no necesita introducción. Bajo multitud de alias, entre ellos μ-Ziq, el artista británico revolucionó la música electrónica leftfield en los noventa, al tiempo que adoptada otros seudónimos como Jake Slazenger y colaboraba con Aphex Twin en el álbum Mike and Rich en 1996. En 1995 fundó Planet Mu, sello que ha levantado un catálogo formidable de discos visionarios y que miran al futuro, explorando prácticamente todos los rincones del espectro electrónico con proyectos como Jlin, Venetian Snares, Vladislav Delay, Luke Vilbert o Sinjin Hawke & Zora Jones, por mencionar solo algunos. Su impronta continúa siendo un motor en la escena musical electrónica, ampliando constantemente los límites y apostando por sonidos innovadores.
ID:MORA es un artista visual checo afincado en Barcelona. De formación autodidacta, sus creaciones audiovisuales se han estrenado en numerosos festivales internacionales. Ha trabajado estrechamente con el sello Ad Noiseam y colaborado con artistas como Mike Paradinas, Loraine James, Red Snapper y Meneo. Su trabajo principal parte de la animación 3D, con un estilo que transita un camino de ida y vuelta de la abstracción psicodélica a lo concreto, atrapando al espectador en el ahora. Una realidad salpicada de distorsiones ácidas que transforman el espacio en un universo hipervitaminado.
Nave. LABoral Centro de Arte
Sábado 2 de mayo
_AU/PH
CORIN es Corin Ileto, productora de música electrónica, DJ e intérprete que trabaja en el campo del arte escénico, el diseño sonoro, el teatro y el club. Sus producciones son un ensamblaje de estilos que se mueven entre la IDM, el grime, la EBM, el trance y el ambiente barroco. En sus composiciones, las formas tradicionales se funden con sonidos hiperdigitales para crear nuevos mundos imaginarios. De formación pianística clásica, Ileto busca crear un espacio sonoro en el que la música clásica occidental pueda hibridarse con la producción electrónica contemporánea y las expresiones artísticas no occidentales.
Su último lanzamiento, DIWA, profundiza en su investigación sobre las tradiciones musicales del folclore filipino, conectando así con sus raíces. CORIN se interesa por los sistemas armónicos y rítmicos situados dentro de ecologías musicales y modos de pensamiento no occidentales, así como por el resultado que puede surgir al combinar armonías y ritmos filipinos con producción de música electrónica basada en sintetizadores y samples. En DIWA emerge una paleta sonora electroacústica de folk postindustrial que combina la instrumentación filipina del gong kulintang, motivos polirítmicos y sistemas de afinación con percusión industrial y síntesis granular. La atmósfera del diseño sonoro transita entre sonidos antropomórficos, volcánicos y oceánicos inspirados en sistemas ecológicos del archipiélago.
Continuando su colaboración con el artista de VFX Tristan Jalleh, los elementos visuales que acompañan el espectáculo se inspiran en diversas mitologías filipinas de la creación. Criaturas legendarias como el dragón devorador de lunas Bakunawa conviven en paisajes concretos, como el lago formado en la caldera del volcán Taal, situado en la provincia de Batangas, conectando así con el linaje materno de CORIN.
El público recorre distintas etapas de la formación volcánica, entre paisajes submarinos envolventes y erupciones eléctricas: una colisión de tierra, agua y lava. Si en su álbum previo, Lux Aeterna, que pudimos ver en LEV Matadero 2023, nos elevó a los cielos, con DIWA nos sumerge en las profundidades del inframundo.
_IT
Abul Mogard es el alter ego del músico italiano Guido Zen, pionero de la electrónica en los 90 y conocido por su sonido inmersivo. Afincado en Roma, ha participado en prestigiosos festivales y espacios, como Berlin Atonal, Poesía en Voz Alta (México), Centro Pompidou, Centro de Cultura Contemporánea Condeduque (Madrid), Auditorio San Fedele (Milán), Le Guess Who? (Utretch) y el Southbank Centre (Londres).
La música de Mogard ha encontrado su lugar en una amplia variedad de ámbitos creativos, desde el cine y la televisión hasta la moda, el arte contemporáneo y la publicidad. Entre muchos otros proyectos, su trabajo ha aparecido en el trailer de la película El último duelo (The Last Duel, Ridley Scott, 2021), la serie de televisión Gallowspole de Shane Meadows, en los desfiles de Ferragamo y en campañas para Lancôme.
Abul Mogard presentará en L.E.V Festival su último álbum Quiet Pieces, con el que inauguró su sello Soft Echoes. Concebido a partir de la reelaboración de material de archivo de proyectos previos y el hallazgo fortuito con la colección de discos clásicos y de ópera en 78rpm de un familiar fallecido, Quiet Pieces propone un paisaje sonoro que difumina las fronteras entre la memoria personal y la ajena, sumiéndonos en un cortocircuito sensorial a medio camino entre el sueño y la vigilia.
_AR
Profundamente arraigada a la escena underground drum and bass the Buenos Aires, la argentina Amparo Battaglia comienza su andadura como Catnapp en 2010, combinando breakbeat, drum and bass, jungle, dancehall y pop.
Afincada en Berlín desde 2015, Catnapp continuó su evolución artística con la creación del sello Napp Records, destinado a apoyar y ofrecer un entorno seguro a artistas emergentes, al tiempo que disponía de un espacio para sus propios lanzamientos. Un año más tarde firma con Monkeytown Records, con quienes publica numerosos temas y realiza giras abriendo para artistas como Modeselektor o Moderat. Catnapp también ha participado en numerosos festivales y actuado en escenarios como Berghain (Berlin), Boiler Room (Berlin), Fusion (Berlin), Melt (Berlin), SXSW (Austin), Sonar (Barcelona) y Reeperbahnfestival (Hamburg & Beijing) entre otros.
El motor que late tras Catnapp es la libertad de difuminar y reinventar los límites de los géneros musicales. En lugar de encajar en categorías predefinidas, su enfoque se centra en crear música placentera, divertida, interesante y genuina. Tanto su sonido como sus actuaciones en vivo destacan por su energía y su contraste, oscilando entre lo adorable y lo inquietante (cute and scary), rozando incluso lo incómodo.
Nave. LABoral Centro de Arte
Sábado 2 de mayo
_JP
“nD” es una pieza performativa audiovisual en forma de díptico y la tercera versión del proyecto audiovisual “cm:av_c”, fruto de muchos años de desarrollo. En esta obra, los fenómenos del sonido y la visión, los modos de abstracción y concreción, y las cualidades de significado y ausencia de significado se encarnan en la fluctuación continua entre dualidad y no-dualidad.
El díptico no está concebido únicamente para presentar oposición o diferencia, sino como un espacio en el que nuestra percepción oscila entre separación e inseparabilidad. Al tratar y fusionar sonido e imagen a un nivel abstracto, se crea una intensa experiencia audiovisual que estimula simultáneamente la vista y el oído. Esta expresión audiovisual pura, despojada de significado, libera al público de las restricciones de la interpretación y lo guía hacia una experiencia más directa y sensorial.
El artista japonés Ryoichi Kurokawa compone con luz y sonido, usando materiales generados de forma analógica y digital para crear instalaciones audiovisuales que desafían al tiempo, proyecciones en vídeo, grabaciones de audio y performances que fusionan múltiples canales de imágenes y sonidos en una sola entidad, que existe en continua evolución. Como una búsqueda que se mantiene desde los primeros pasos de su carrera, el proyecto “cm:av_c” es el reflejo de su lenguaje artístico único e icónico. La primera versión, “cm:av_c”, se estrenó en 2005 y desde entonces se ha presentado en todo el mundo, incluyendo Tate Modern (Reino Unido), Ars Electronica (Austria) y MUTEK (Canadá). En 2011 se lanzó la segunda versión, “syn_ [ cm:av_c 2 ]”, que recorrió más de 20 países durante varios años. “nD [ cm:av_c 3 ]” representa una nueva evolución de este proyecto y se estrenará en el 20 aniversario del L.E.V. Festival.
_US
Amante de las matemáticas, antigua trabajadora del acero y orgullosa residente de Gary, Indiana, Jlin (nacida Jerrilyn Patton) se ha convertido en una de las compositoras más singulares de Estados Unidos y una de las mujeres más influyentes de la música electrónica. El sonido característico de Jlin bebe del estilo footwork del Chicago de sus orígenes, y se expande para abarcar diversas influencias (desde Igor Stravinsky y Philip Glass hasta Miles Davis y Eartha Kitt), lo que le da a su trabajo impulsado por la percusión un sofisticado sonido polirrítmico que es totalmente propio.
Las emocionantes, emotivas y multidimensionales composiciones de Jlin le han valido elogios como “una de las compositoras contemporáneas más visionarias de cualquier género (Pitchfork). En 2023, Jlin fue nominada al Premio Pulitzer por Perspective, una obra encargada y estrenada originalmente por Third Coast Percussion. Sus álbumes Dark Energy (2015) y Black Origami (2017) recibieron gran reconocimiento de la crítica y han aparecido en listas de “lo mejor del año” en The New York Times, The Wire, LA Times, Rolling Stone, The Guardian y Vogue.
Su álbum más reciente, Akoma (Planet Mu) —aclamado como “su trabajo más imponente hasta la fecha” (Bandcamp)— fue lanzado el 22 de marzo de 2024 e incluye colaboraciones con Philip Glass, Björk y Kronos Quartet. Con referencias a una amplia gama de movimientos y técnicas musicales, Jlin ha colaborado con artistas contemporáneos como William Basinski, Dope Saint Jude, Holly Herndon, Zora Jones y la fallecida e icónica SOPHIE. Ha remezclado obras de artistas importantes como Björk, Max Richter, Martin Gore (de Depeche Mode), Galya Bisengalieva, Marie Davidson, Nina Kraviz, Ben Frost y otros.
En mayo de 2025, Jlin compuso y estrenó la primera pieza de música electrónica encargada por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos.
Muséu del Pueblu d’Asturies
Sábado 2 de mayo
_DE
HYBR:ID UNI PARA es la última performance audiovisual de Alva Noto, desarrollada a partir de su serie de álbumes HYbr:ID. Basándose en el meticuloso diseño sonoro del proyecto, el lenguaje expandido en vivo genera atmósferas espaciales en las que procesos basados en datos se transforman en experiencias perceptivas y emocionales.
Bajo el pseudónimo de Alva Noto se esconde Carsten Nicolai, artista y músico afincado en Berlín y uno de los representantes más reconocidos de la música electrónica contemporánea. Nacido en 1965 en Karl-Marx-Stadt, forma parte de una generación de artistas que trabaja intensamente en la intersección de la música, el arte y la ciencia. Su trabajo rompe continuamente las fronteras entre diversos géneros artísticos y se nutre de los sistemas de referencia científica, explorando patrones matemáticos, estructuras de error y aleatorias, así como el fenómeno de la autoorganización.
Como Alva Noto, sus conciertos lo han llevado al Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Centro Pompidou de París y la Tate Modern de Londres. Entre sus diversos proyectos musicales, destacan las colaboraciones con Ryōji Ikeda, Mika Vainio, Iggy Pop, Blixa Bargeld y Ryūichi Sakamoto. Con este último, Nicolai compuso la banda sonora de la película ganadora del Óscar El Renacido (The Revenant, 2015), de Alandro Gonzalez Inárritu, nominada a un Globo de Oro, un BAFTA y un Grammy en la categoría de Mejor Banda Sonora Original.
Teatro de la Laboral
Viernes 1 de mayo
