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SI-4202 Se plantea como taller-laboratorio concebido para acercar las tecnologías XR, y, en particular, la Realidad Mixta, a públicos diversos, promoviendo un acceso abierto, comprensible y práctico a estas herramientas emergentes. A través de un enfoque pedagógico y experiencial, el taller propone un recorrido por las distintas etapas que requiere el desarrollo de una pieza artística inmersiva e interactiva. Desde la conceptualización inicial hasta su producción y experimentación final. Para ello, se emplearán como referentes los proyectos inmersivos e interactivos del artista Carles Castaño Oliveros y de la productora Servicios Inmersivos.
Lejos de plantear estas tecnologías como ámbitos exclusivos o altamente especializados, el taller apuesta por su deselitización mediante el uso de programas y recursos accesibles, que no requieren conocimientos técnicos avanzados. El proceso de aprendizaje se articula desde una perspectiva participativa y lúdica, fomentando la exploración, la creatividad y la experimentación como motores fundamentales para la comprensión y apropiación de la Realidad Mixta.
Actividad gratuita sin inscripción previa
Actividad recomendada a partir de 15 años
Escuela de Comercio
Viernes 1 Mayo
17:00 – 19:00 h.
2 horas
español
Actividad organizada por Arenas Movedizas en colaboración con LEV Festival

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Ito Meikyu es una experiencia de realidad virtual que se desarrolla en torno a referencias de la historia del arte y la literatura japonesas (el Fukinuki Yatai, El cuento de Genji, El libro de la almohada) y se despliega como un gran fresco sensorial con un fuerte potencial emocional.
A partir de material digital, este conjunto heterogéneo de escenas dibujadas, animadas y sonoras recrea una especie de mundo subjetivo en forma de laberinto, compuesto de arquitecturas fractales, habitado por plantas, objetos, animales, hombres, mujeres, estampados y caligrafía. Una especie de juego del escondite virtual que lxs espectadorxs pueden recorrer con total libertad, dejándose llevar por el azar de sus descubrimientos.
Partiendo de su actividad como dibujante, la obra de Boris Labbé se caracteriza por la combinación del uso de técnicas digitales de imagen en movimiento con las específicas del cine de animación. Este enfoque conforma un lenguaje original y vibrante, que cuestiona la relación entre la pintura y el cine, la música y la danza, el cuerpo y los animales, las plantas y los minerales. Labbé crea un cine sin rodaje directo, sin actores, sin personajes, sin diálogos, y con una narración abierta a la interpretación del espectador. Los collages y las citas de arte, literatura y filosofía, se han convertido en recursos esenciales de su lenguaje audiovisual.
Ito Meikyu ha sido premiada con el Grand Prix – Venice Immersive, en la 81 edición del Festival Internacional de Venecia.
Escuela de Comercio
Jueves 30 de abril
a Domingo 3 de mayo
11:00 – 14:00 h.
16:00 – 21:00 h.
20’
sin diálogos
EDAD MÍNIMA 12 AÑOS
Créditos:
Escrito y dirigido por Boris Labbé.
Producción: Ron Dyens, Gilles Chanial.
Música original y diseño de sonido: Daniele Ghisi.
Desarrollador principal: Charles Ayats.
Desarrollador: Elle Buglione.
Artistas: Germain Linder, Capucine Latrasse, Ryo Orikasa, Boris Labbé, Agathe Sollier, Collin Gallego, Beatriz Ruthes dos Santos, Manu Batot.
Sonido: Daniele Ghisi, Alex Nogueira
Actividad organizada por Arenas Movedizas en colaboración con L.E.V. Festival

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Tras su paso por la pasada edición de LEV Matadero, Carles Castaño Oliveiros presenta en Gijón *****2025/…, una experiencia de realidad mixta que interpela al público desde una mirada crítica a la sociedad contemporánea.
Como si se tratara de un videojuego, la pieza sumerge a lxs participantes en un entorno distópico donde, a través de recorridos interactivos —como buscar una habitación en alquiler en una ciudad de cartón o realizar operaciones en quirófanos clandestinos— se muestran las costuras de un presente sumido en la vorágine capitalista e hiperconsumista.
Durante la inmersión deben tomar decisiones que afectan tanto a la experiencia individual como al destino social. Con una fuerte carga narrativa y política, *****2025/… convierte el espacio en una ficción especulativa que refleja, con ironía, las contradicciones de la sociedad actual, abriendo un lugar de reflexión sobre el presente y los futuros posibles.
Carles Castaño (Girona, 1992) es un creador digital especializado en arte 3D en tiempo real, con formación en programación, ilustración y artes plásticas. Ha expuesto su trabajo en festivales e instituciones como Arts Santa Mònica, Grec, IDEAL, Bombas Gens, MIRA o Hyper House. Actualmente dirige Servicios Inmersivos, un espacio híbrido entre productora y laboratorio artístico que desarrolla proyectos XR inmersivos y colaborativos, en diálogo con instituciones como la Generalitat de Catalunya o el Ayuntamiento de Barcelona.
Escuela de Comercio
Jueves 30 de abril
a Domingo 3 de mayo
11:00 – 14:00 h.
16:00 – 21:00 h.
Variable. 50’ aprox
Español e inglés
EDAD MÍNIMA RECOMENDADA 16 AÑOS
Créditos:
Original idea, Direction, Art & 3D: Carles Castaño Oliveros.
Developer: Adrián Puig Arto.
Art & Assistant Director: Sau-Ching Wong.
Soundscape & Musical composition: Juan Cristóbal Saavedra.
3D Modeling: Vertebra studios.
Executive Production: Servicios Inmersivos.
A co-production with Hyper House.
Actividad organizada por Arenas Movedizas en colaboración con LEV Festival

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Precisión casi perfecta. Sin vacilación, sin fatiga, sin pérdida de concentración. Los robots industriales encarnan la maestría de la automatización. Una lógica que nació en las cadenas de montaje del taylorismo y que hoy, de la mano de la inteligencia artificial, ha desbordado el ámbito de la producción para instalarse en nuestro pensamiento, nuestro juicio y nuestra memoria. El filósofo Bernard Stiegler lo llamó La Société Automatique: todas las áreas de la existencia fusionadas en una red invisible de cálculos, donde la tecnología se convierte en arquitecta silenciosa de nuestras vidas.
La exposición La Sociedad Automática de Félix Luque Sánchez materializa esa inquietud en un universo de máquinas que no vacilan, no se cansan y no se rebelan. Sísifos mecánicos atrapados en ciclos sin finalidad humana, reflejo de un presente donde lo humano ha dejado de ocupar el centro. Un presente distópico que invita a preguntarse si aún estamos a tiempo de reapropiarnos críticamente de la tecnología que nos gobierna.
El trabajo de Félix Luque Sánchez (Oviedo, 1976), desarrollado en colaboración con Iñigo Bilbao, Damien Gernay y Vincent Evrard, se sitúa en el cruce entre arte, tecnología e inteligencia artificial. Esculturas mecatrónicas, sonido generativo, datos en tiempo real y procesos algorítmicos componen un universo donde ficción y realidad se confunden, abriendo espacios de reflexión sobre la inteligencia artificial y la automatización. Sus piezas no ofrecen respuestas: confrontan al espectador con sus propios miedos y expectativas ante un futuro cada vez más próximo.
LABoral Centro de Arte
17 abril – 17 octubre
Inauguración:
17 abril, 19:00 h.
Martes a Jueves
10:00 a 19:30 h
Viernes 1 Mayo
18:00 a 21:00 h
Sábado 2 de Mayo
11:00 a 20:30 h
Coproducción de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, iMAL, Art Center for Digital Cultures & Technology, Europalia y la Federación Valonia-Bruselas
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Anne Horel es una artista y cineasta francesa especializada en collage digital que trabaja en la intersección de la mitología, la cultura digital y la inteligencia artificial. A través del cine, la instalación y la imagen en movimiento, Horel desarrolla narrativas especulativas que exploran de qué manera la tecnología redefine nuestra percepción, identidad e imaginación colectiva.
Desde el collage, tanto analógico como generativo, su trabajo entiende la IA como una extensión contemporánea del montaje surrealista: un espacio que fusiona la memoria personal, la cultura popular y el inconsciente colectivo.
Su corto La Tisseuse d’Ombres (La tejedora de sombras), fue premiado el pasado febrero en el Artefact Film Festival en la categoría Mejor uso de la IA, marcando una nueva fase en su práctica artística hacia la narración cinematográfica.
LA SEÑAL ESTÁ ABIERTA es una videoinstalación concebida como un hechizo visual activado en la arquitectura de la Capilla de San Esteban del Mar (Natahoyo). Diseñada específicamente para este espacio sagrado, la propuesta transforma la capilla en un catalizador de la intención colectiva.
En lugar de referencias religiosas, la obra se nutre de arquetipos universales, astrología y simbolismo hermético para proponer un espacio poético de reflexión. A través de la imagen, el sonido y el ritmo, LA SEÑAL ESTÁ ABIERTA envía un mensaje de paz, armonía, amor y conciencia interconectada, e imagina las posibilidades de un mundo radicalmente distinto, moldeado por la conciencia y la empatía colectiva.
Capilla de San Esteban del Mar
Jueves 30 de abril
a Domingo 3 de mayo
11:00 – 21:00 h
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Enrique del Castillo presentará Umbráfono en el escenario incomparable de la Iglesia de la Laboral, reabierta al público tras seis años de labores de restauración. La cúpula elíptica más grande de Europa será el marco de una experiencia sonora única.
lniciado en 2018, el Proyecto Umbráfono supone una exploración sobre las posibilidades de generar sonido mediante la imagen y la luz a partir de película de cine de 35 mm, empleando máquinas y sistemas de lectura óptica creados por el propio artista.
Esta línea de investigación le ha valido reconocimientos destacados, como el primer premio internacional de arte sonoro PowSOLO en 2020. Además, su obra ha sido expuesta y ejecutada en contextos internacionales, desde el festival 25 FPS en Zagreb hasta el Cafe OTO en Londres, pasando por instituciones como el MACBA , Matadero Madrid y el Centro de Creación Contemporánea de Andalucía (C3A).
Artista gráfico y músico de perfil multidisciplinar, el trabajo de Enrique del Castillo (Jaén, 1982) se sitúa en la intersección del arte visual y la música experimental. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, Máster en Producciones Artísticas e Investigación en la Universidad de Barcelona y con formación clásica en el Conservatorio Profesional de Música Ramón Garay (Jaén), su trayectoria plástica se ha desarrollado en paralelo al arte sonoro, con incursiones más recientes en el ámbito de las artes escénicas y el cine.
Umbráfono se presentará en dos pases
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Las instalaciones del Studio Sven Sauer se centran en un tema que desafía cada vez más a nuestra época: la esperanza. No como un estado idealizado, sino como un rastro real y verificable. La esperanza se considera un vestigio de una época pasada, un símbolo abstracto. Estamos demasiado rodeados de ruido, desilusión y cinismo, en medio de todo el clamor y las imágenes que nos bombardean cada día.
Studio Sven Sauer busca estos rastros ocultos de esperanza en nuestra realidad. Sus obras son el resultado de una extensa investigación, datos, estadísticas y estudios científicos recopilados a lo largo de décadas.
Porque la esperanza, como sugiere su obra, no es solo un sentimiento, sino un fenómeno medible. Parpadea en series de datos, en previsiones ecológicas, en fracturas sociales y en la silenciosa perseverancia de las personas y los sistemas.
Deviation se extiende por la sala como una alfombra de fragmentos de vidrio tejida a partir de esquirlas recogidas por todo el mundo. En nuestra sociedad el vidrio roto suele resultar inquietante y su despliegue parece indicar que la humanidad no siempre se muestra bajo su mejor luz. Las ventanas rotas preceden a los terremotos. Los cristales se rompen durante los disturbios cuando la ira estalla contra los escaparates. Y hay cristales que se rompen deliberadamente para detener a la gente. Fragmentos de cristal en lo alto de las paredes. Bordes afilados.
¿Pero somos realmente tan oscuros como nos percibimos a nosotros mismos? Basada en textos del historiador Rutger Bergman, la instalación revela otra verdad: en tiempos de gran desesperanza, la historia demuestra que la cooperación prevalece. Desde ciertos ángulos, los fragmentos de vidrio capturan y procesan la luz transformando los restos de destrucción en fragmentos de esperanza.
Colegiata del Palacio
de Revillagigedo
Jueves 30 de abril
a Domingo 3 de mayo
11:00 – 21:00 h
Créditos
Obra: „Deviation“: Studio Sven Sauer
Modificación del tren: @helldorfer_engineering
Electrónica: Lukas Esser
Programación creativa: @bruno.ammon
Producción: @nsevvalg / @martinhussain
Música: @theatre_of_delays
Textos y estudios: @RutgerBregman
Clips: @frank_sauer
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Bajo el nombre Cod.Act, André y Michel Décosterd aúnan sus respectivas prácticas. André como músico, Michel como artista visual. Juntos crean performances e instalaciones interactivas basadas en la interacción entre el sonido y el movimiento. Desde 1999, han desarrollado dispositivos sencillos y funcionales en la intersección entre lo mecánico y lo orgánico.
Estos dispositivos no constituyen piezas artísticas en sí mismas, sino el medio a través del cual cobran vida las estructuras musicales codificadas. Activadas bien por público, bien por los propios artistas, las obras generan configuraciones siempre cambiantes, aleatorias, efímeras y multidimensionales, ofreciendo una experiencia distinta con cada activación
πTon es una intrigante instalación sonora: un tubo de goma cerrado sobre sí mismo, se retuerce y ondula como un organismo invertebrado. Rodeado de figuras silenciosas equipadas con altavoces, parece luchar en vano por escapar. Sus movimientos alimentan un ritual polifónico, a la vez primitivo y sofisticado, compuesto íntegramente de voces artificiales. A través de materiales en bruto y fenómenos físicos naturales, la pieza fusiona movimiento orgánico y expresión vocal en un impactante evento sonoro y visual.
La recogida de entradas se realizará previamente en la taquilla del Teatro Jovellanos. Se podrán retirar un máximo de dos entradas por persona para alguno de los dos pases de ese mismo día.
Es necesario llegar 10 minutos antes del inicio de la actividad. En caso de que se agoten las entradas pero queden plazas libres, el acceso se realizará por riguroso orden de llegada.
Horarios de taquilla Teatro Jovellanos:
Jueves 30 de abril: 12:00 – 14:00 | 17:30 – 22:30
Viernes 1 de mayo: 12:00 – 14:00 | 16:00 – 20:30
Sábado 2 de mayo: 12:00 – 14:00 | 16:00 – 20:30


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La práctica de Eric Vernhes está basada en la creación de “objetos temporales”, dispositivos móviles que armonizan con la conciencia del espectador, generando una relación de simpatía y sincronía. Su trabajo aspira a expandir la conciencia sobre nosotros mismos, nuestros cuerpos, el mundo y el tiempo, cuestionando nuestra relación con la realidad, la ficción y la alteridad.
Meeting Philip es una instalación visual, sonora y escultural en torno a la conferencia que Philip K. Dick impartió en Metz (Francia) en 1977. Durante esta charla Philip K. Dick reveló que uno de sus temas favoritos —la existencia de una pluralidad de universos paralelos— era de hecho una realidad y no una ficción. Para él, no había duda de que nuestro mundo provenía de un programa informático cuyo diseñador (Dios, un programador–reprogramador) alteraba periódicamente variables en el pasado, perturbando así el curso de nuestro tiempo presente y dando lugar a otros universos divergentes y ucrónicos. Las sensaciones de déjà vu serían el resultado directo de esta “reprogramación”.
En Meeting Philip, el artista no cuestiona la credibilidad de K. Dick; no es ese el asunto relevante. Ante las múltiples facetas de la personalidad de K. Dick, sus divagaciones y sus destellos de genialidad, se pone del lado del escritor frente al autoproclamado profeta. Este último (que nunca ha convencido a nadie) no es, en última instancia, más que una herramienta del primero (reconocido como un genio).
Centro de Cultura
Antiguo Instituto
Jueves 30 de abril a
Domingo 24 de mayo
12 – 14 h. / 16:30 – 20:30 h.
Horarios del 4 al 24 de mayo
Lunes a viernes:
17.30 – 20.30 h.
Sábados:
12 – 14 h. / 17.30 – 20.30 h.
Domingos:
12 – 14 h.
